Expresiones

Exposición realizada en 2005 en la Galería Mukul-já.

Bodegones

Exposición realizada en la galería Mukul-ja (agua que corre) con el apoyo de una excelente amiga, la lic en museografía Gabriela Marí Vázquez.

 

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Egipto

Fué en Egipto donde se congregaron las primeras tribus, dando  lugar a la primer civilización del mundo la cual se regía por su religión, la organización social y las artes; todo esto dividido en 4 grandes periódos: El tebano, el nenfita, saita y el de la dominación griega.

El pueblo egipcio adoraba todo lo que le daba un beneficio, así pués, eran adoradores del sol ( Osiris) por la luz y el calor que les proporcionaba, de la luna (Isis) por espantar la oscuridad de la noche, adoraban a la tierra, al río Nilo, a los gatos que los libraban de las plagas de roedores y un sin número más de deidades.

Son los egipcios quienes heredan al mundo los capiteles ( columnas) de todo tipo, las quepor su belleza y utilidad continuan utilizandose hasta nuestros días. La arquitectura, la escultura y la pintura florecieron majestuosamente en esta civilización.

Los impresionantes palacios y tumbas fueron decorados en su totalidad con pinturas y bajo relieves, muchos de los cuales aún pueden ser admirados como son:  Las pirámides (tumbas) de Keops, Kefren, Micerinos, Giza (la esfinge) o los impresionantes templos de Luxor y Karnac o las esculturas denominadas Los colosos que son gigantescas estatuas de granito asentadas en medio de la llanura de Tebas y que representan a los faraones que las mandaban a construir.

Los egipcios sobresalieron principalmente en la escultura y la arquitectura, no tanto en la pintura, donde utilizaron unicamente los colores primarios -rojo, amarillo y azul- y los secundarios -mezcla de los anteriores: morado, naranja y verde- . No usaban tonalidades, por lo cual para marcar las figuras y que sobresalieran del fondo las delineaban en blanco o negro. La singularidad de la pintura egipcia es el hecho de representar los cuerpos de frente, perola cabeza y los pies de perfil. Algo que también llama la atención es que no pintaban personas ancianas, siempre gente jóven, fuerte y bella.

Otro aspecto muy artístico de esta cultura fué la joyería y la tapicería, ambas de gran calidad, finura y elegancia.

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Mary Cassatt

Impresionismo

Mary Cassatt era hija de un banquero norteamericano que nunca se mostró favorable a su deseo de llevar una carrera artística, más a pesar de no contar con la aprobación de sus padres, a la edad de quince años inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania. En 1866, cansada de la actitud condescendiente de profesores y alumnos, así como del lento desarrollo de las enseñanzas, decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se trasladó a París en compañía de su madre y algunos amigos de la familia. Dado que no era posible para las mujeres matricularse en la Escuela de Bellas Artes, siguió estudios privados con diversos artistas, y realizó mucha práctica como copista en el Museo del Louvre.

A fines del verano de 1870, al iniciarse la guerra franco-prusiana, regresó a los Estados Unidos y vivió nuevamente con su familia, por entonces radicada en Altoona. Su padre aún continuaba resistiéndose a aceptar su vocación, por lo que le financiaba sólo las necesidades básicas y no los materiales artísticos, además muy difíciles de conseguir desde allí. Expuso un par de cuadros en una galería neoyorquina, encontrando elogios pero no compradores; en Chicago, a donde se trasladó a probar suerte, perdió varias pinturas en el gran incendio de 1871. Poco después recibió un encargo del arzobispo de Pittsburgh para realizar dos copias de Correggio en Parma (Italia), y tras su regreso en otoño comenzaron a cambiar sus perspectivas, exponiendo y vendiendo sus primeros cuadros. Inicia un viaje por Italia en 1871, descubriendo una profunda admiración por Velázquez y Rembrabdt lo que le motivará a viajar a España y a Holanda. Instalada definitivamente en París en 1877, se inicia su relación con Degas – algunos la llegan a considerar como su alumna – quien le recomienda integrarse en el grupo impresionista. A partir de ese momento su estilo se acerca más a Renoir y a Degas, participando en cuatro de las ocho exposiciones impresionistas con sus cuadros de niños y mujeres, temas que serán sus favoritos.

Permaneció unida al círculo de los impresionistas hasta 1886, pues ya no se identificaba con éste ni con ningún otro movimiento artístico; a pesar de ello, no perdió su amistad con Degas y Berthe Morisot. El estilo de Cassatt continuó en evolución, acercándose hacia una honesta y simple copia de la realidad; empezó a experimentar con varias técnicas, y en su trabajo posterior podemos observar que casi un tercio de sus pinturas nos muestran escenas domésticas y retratos de madres e hijos en íntima relación, especialmente a partir de 1900.

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En 1891 exhibió una serie de coloridas pinturas entre las cuales estaban Mujer tomando un baño y El salón de belleza, cuadros inspirados en el arte japonés que fueron exhibidos en París un año antes. Fue en general hostil a los movimientos pictóricos posteriores, como el posimpresionismo, el cubismo y el fauvismo. Un viaje realizado a Egipto en 1910 dejó a Cassatt impresionada, y también la introdujo en una crisis de salud y de creatividad, considerando que sus manos eran incapaces de reproducir la fuerza de aquel que era seguramente el mejor arte de la Antigüedad. En 1911 fue diagnosticada de diabetes, reumatismo, neuralgia y cataratas, y en 1914 tuvo que dejar de pintar por hallarse casi completamente ciega, a pesar de lo cual en 1915 aún tuvo fuerzas para contribuir con 18 pinturas en apoyo del movimiento sufragista. Tras 11 años de completa inactividad artística debido a su ceguera, falleció en la casa familiar en 1926, y sus restos reposan en un mausoleo en Le Mesnil-Théribus, en la Picardía francesa país que en 1904 le había concedido la Legión de Honor  por sus contribuciones al arte. También recibió la medalla de oro de la Pennsylvania Academy of Art.

Gracias a su trabajo, el Impresionismo se introdujo con fuerza en los Estados Unidos. También destaca su faceta como grabadora en la que muestra una marcada influencia de la estampa japonesa

Nunca contrajo matrimonio, pues desde muy pronto consideró que ello era incompatible con el desarrollo de su carrera.

Caravaggio. Michelangelo Amerighi

Barroco italiano

Caravaggio nació en Milán a principios del otoño de 1571. Su padre era alto funcionario de la corte de Caravaggio, trabajaba como administrador y arquitecto decorador del Marqués de Caravaggio, ciudad de la que más tarde tomaría el nombre. De esta ciudad era  oriunda la familia Merisi. El pintor conoció a través de los protectores de su padre a familias muy importantes en la Italia del momento, que constituían una corte de intelectuales y pensadores.

En 1584 entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano, quien fue descrito en el contrato como pupilo de Tiziano. Tras concluir su aprendizaje comenzó a moverse en el circuito Milán-Caravaggio.

Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma y pocos meses después comenzó el trabajo exitoso que no concluiría hasta dejar Roma. Contactó con Giuseppe Cesari, pintor de cámara de Clemente VIII quien le ofreció trabajo en su taller de pintura. Caravaggio pintó varios cuadros durante esa época, entre los que se incluyen Muchacho cogiendo fruta (su primera pintura conocida), Cesto con frutas y Baco, supuestamente un autorretrato realizado tras una convalecencia posterior a su salida del taller de Cesari. Estas tres obras demuestran una particularidad física, —un aspecto de su realismo—, por el cual Caravaggio adquirió renombre

A excepción de su inicio Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.

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En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre prostitutas, chicos de la calle o mendigos que posaron a menudo para los personajes de su cuadros. Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva –se decía que el modelo era uno de sus amantes.

Caravaggio violentó constantemente el principio del decoro, o más bien lo interpretó a su manera, lo que provocó odios y amores hacia su pintura. El «moto» es el movimiento interno de las figuras, que traduce las pasiones y la psicología de las mismas. Caravaggio aprovechó esta norma para plantear actitudes sorprendentes en sus personajes, que inmediatamente atraen la atención del espectador. Los vestidos de sus personajes respondían a la moda del momento y no a las túnicas clásicas. Los pies y los rostros de sus figuras estaban sucios y maltratados. Sus pinturas perdían en concursos y eran rechazadas por los clientes de la iglesia, e inmediatamente eran disputadas por los coleccionistas romanos y extranjeros. Éste fue el caso de su Dormición de María, que tras ser rechazada fue comprada a título particular por Rubens en calidad de embajador del duque de Mantua.

Caravaggio preparaba para cada cliente escenas de muy complicada lectura, llenas de claves que introducían segundos, terceros o cuartos significados trascendentes que hacían de un inocente lienzo una sofisticada declaración intelectual. Este tipo de pintura, que mezcla el realismo del pintor con el trasfondo alegórico y la intención lírica, provenía de las «poesías» venecianas, de las que eran muy conocidas las de Tiziano. En ese sentido se podrían interpretar obras como el Concierto de Jóvenes o el Tañedor de Laúd. En estas obras se imbrican las tendencias homosexuales que parecen probadas en Caravaggio y su entorno, el amor por la música como medio de alcanzar el amor perfecto, el andrógino, etc.

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Con frecuencia se metía en pleitos y discusiones por lo que fue encarcelado en más de una ocasión, sufrió intento de asesinato e incluso realizó un intento de asesinato al notario Mariano Pasqualone, quien le había acusado de convivir con Lena, la prostituta que posó para su Magdalena, la Dormición de María, etc. Caravaggio le emboscó una madrugada y le asestó varios hachazos en la cabeza. El pintor huyó a Génova, el notario sobrevivió y sorprendentemente retiró los cargos, por lo que Caravaggio regresó a Roma. El 29 de mayo de 1606 mató, probablemente por accidente, a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni. ^[]Anteriormente, sus mecenas le protegieron de posibles acciones judiciales en su contra, motivadas por riñas, pero esta vez fue diferente. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Ahí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Pronto se convirtió en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó Siete acciones de misericordia y la Madonna del Rosario, entre otros.

 

Caravaggio puso la oscuridad (sombras) en el claroscuro. El claroscuro llegó a escena mucho antes del arribo de Caravaggio a la pintura, pero fue éste quien le dio la técnica definitiva, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante. Con este tipo de pintura, los artistas comenzaron a plasmar el físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y aguda.En sus pinturas religiosas hace patente que el Reino de Dios está en lo cotidiano y lo miserable, manifestándose en los pecadores y marginados de las Escrituras. Sus temas mitológicos son más escasos y adopta plenamente una manera monumental con un tratamiento verista de las figuras que parece casi clásico. Recurre a trucos efectistas que deslumbran la mirada, como son sus claroscuros, los contrapicados, la gestualidad de los personajes… La luz es fundamental en sus cuadros, funciona como un espacio autónomo, como un personaje más y como tiempo, pues introduce el ritmo narrativo. El foco luminoso nunca aparece en el lienzo y suele ser artificial, procedente de algún ángulo lateral. La luz en Caravaggio simboliza siempre la presencia de lo sobrenatural, de lo divino, de acuerdo con la metafísica de la luz de Platón o San Agustín: Dios es la luz.

La instalación del conjunto de pinturas referidas a San Mateo en la Capilla Contarelli tuvo un inmediato impacto entre los jóvenes artistas romanos, y el caravaggismo se convirtió en la moda para los incipientes artistas.

Los últimos años de Caravaggio consistieron en un deambular continuo; el 18 de julio de 1610 fallece, probablemente de pulmonía o disentería, en la playa de Porto Ercole, completamente solo.

La fama de Caravaggio apenas sobrevivió a su muerte. El Barroco, a cuyo desarrollo tanto había contribuido Caravaggio, le fue dejando en el olvido poco a poco. Otra de las razones de este olvido fue el hecho de que Caravaggio no crease su propio taller (como sí hizo su rival, Carracci) para difundir su estilo. Tampoco escribió nunca sobre su particular visión del arte, el realismo psicológico, que solo puede conocerse de las pinturas suyas que se han conservado perduró a través de los tiempos. En la década de 1920 el crítico de arte Roberto Longhi llevó el nombre de Caravaggio a las altas esferas del arte europeo y le colocó en el centro de la atención pública con esta frase: “Ribera, Vermeer, La Tour y Rembrandt nunca podrían haber existido sin él. Y el arte de Delacroix, Courbet y Manet habría sido totalmente diferente”. El crítico de arte Bernard Berenson afirmó que sólo Miguel Ángel había ejercido tanta influencia en el arte italiano como Caravaggio.

Magia del símbolo

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Trabajos realizados con la técnica de neograbado.

Naturaleza y expresiones de Palibé

Exposición individual llevada a cabo en el H. Ayuntamiento de Teapa, Tab.

Pienso…luego pinto

Exposición internacional en formato Fine Art Glicée, realizada en la Galería Mukul-Já a través de la galería virtual «El caballete»

Voces de natura

Vestigios

La base fundamental para la realización de esta serie de pinturas realizadas en 1999, fué hacer consciencia, no solo en el público, sino en los propietarios de los inmuebles, sobre la necesidad de mantener en buenas condiciones y proteger los vestigios arquitectónicos existentes en la capital tabasqueña.

Me alegra decir, se logró parcialmente el objetivo, pero tiempo después y a través del INAH (2011) se restauraron todas las fachadas del centro historico de Villahermosa. Hoy luce precioso, ya mostraré  más adelante las imágenes de las casas ya restauradas.

Exposición S/T

Efectuada en el Cen del Partido Acción Nacional Tabasco, quienes tan amablemente me invitaron a exponer.

Bajo la mirada de la ceiba

En este libro, editado por Universidad Juárez Autónoma de Tabasco,  se reúnen las obras de 75 pintores tabasqueños, quienes son parte fundamental de la historia plástica de este estado. Este trabajo fue realizado en 2006 y dado a conocer en forma de libro,    homónimo de la colección virtual.

Información bibliográfica

Título	Bajo la Mirada de la Ceiba: Artistas Plásticos de Tabasco Colección Dr. Miguel A. Gómez Ventura Estética y Artes Visuales Colección Dr. Miguel A. Gómez Ventura Estética y artes visuales
Autor	Miguel Angel Ruíz Magdónel
Edición	ilustrada
Editor	Univ. J. Autónoma de Tabasco, 2006
ISBN	9689024000, 9789689024002
N.º de páginas	185 páginas

Bellini, Giovanni

Discípulo de su propio padre, según la usanza del arte de la época, fue a su vez el maestro de dos grandes genios: Giorgione y Tiziano. Giovanni fue apodado el Giambellino, en referencia a la belleza y sensibilidad con la que trabajaba sus pinturas. Actuó frecuentemente con su hermano Gentile, también magnífico pintor; ambos forman parte de la Escuela renacentista veneciana, en la cual tomó una importante parte la ola de renovación espiritual que trataba de contrarrestar el supuesto paganismo del Renacimiento. Es por esta razón que Giovanni se decantó con frecuencia por la temática religiosa en vez de la mitología clásica. Junto a Gentile, trabajó en la decoración al fresco de las Scuolas venecianas. Pero además de su hermano y de su padre, Jacopo, recibió otras influencias. La más crucial vino por parte de su cuñado, que era nada menos que Mantegna. De él aprendió el dominio del dibujo y la rotundidad del volumen, aunque en cualquier caso el Giambellino hacía honor a su apodo, realizando pinturas de mayor lirismo que las de su cuñado. También Antonello da Messina, que estuvo en Venecia, le proporcionó modelos de referencia que él aprovechó con grandes resultados: la técnica del óleo, la linealidad de raíz flamenca frente al colorismo veneciano, nuevas iconografías que renovaron su repertorio… Su influencia fue trascendental no sólo sobre sus discípulos directos, sino sobre toda una generación de pintores nacidos o afincados en Venecia, influencia que se rastrea en el propio Durero, que le conoció cuando Bellini era ya muy viejo, pero «aún el mejor pintor», en palabras del alemán.

Lunas

Un cuento, un sueño, una historia común en nuestro estilo de vida,  narrada con lunas y poesia.

Los orígenes del arte

El arte surge cuando el hombre ya tiene cubiertas sus necesidades básicas de alimentación, abrigo y vivienda.  Inicia el deseo y la necesidad de comunicarse y es como surge el ARTE PREHISTÓRICO ( era paleolítica – 8000-6000 A.C.)

De forma rústica pintan las cavernas donde habitan; lo que conocen, lo que temen o eventos considerados mágicos. También en este periódo, además de la pintura, se inicia la escultura y el relieve.

Hasta nuestros días contamos con testimonios artísticos de entonces y buenos ejemplos son las pinturas de las Cuevas de Lascaux en Francia y las Cuevas de Altamira en España.

 

El arte prehistórico continua desarrollándose durante la Era Neolítica (6000 – 4000 A.C.) y es en este lapso de tiempo que surgen, como expresión artística, las emociones internas y los sentimientos, los cuales son manifestados a través del canto y las grandes esculturas megalíticas; surge también la cerámica.

Respecto a la arquitectura megalítica, solopodemos remontarnos al MENHIO ( piedra larga que va de 2 a 30 metros y empotrada en el suelo),  el TRILITO (  consta de dos piedras verticales y una horizontal a manera de puerta) y las ALINEACIONES ( largas avenidas adornadas con altos Menhires y rematados algunos de ellos por un círculo de piedras).

El objeto primordial de estos monumentos era perpetuar la memoria de ciertos hechos importantes o hombres reconocidos a los que solían servir de tumba.

Años después, los Druídas aprovecharon estos monumentos megalíticos para la propagación de sus ritos religiosos.

A las expresiones artísticas de estas épocas se les conoce como ARTE RUPESTRE.

Colectiva ARTEXPRESION – MIAMI DADE –

Exposición colectiva en formato FINE ART GLICÉE realizada en Miami, USA, por el grupo Artexpresión la cual fué inaugurada por el cónsul de Perú en Miami.

Delicias del edén

La imaginación, factor indispensable para la creación en todas sus áreas y aspectos.

De pochitoques y algo más

Desafortunadamente  perdí casi todas las imágenes de esta serie, rescate algunas de no muy buena calidad, pero basten estas para dar una idea del contenido de la misma, mi interés en la no depredación y sobre todo, la protección de algunas especies de quelonios en peligro de extinción como la tortuga blanca y el chiquiguo entre otras.

Exposición Centro Cultural Villahermosa

Vistas generales durante el proceso inaugural de la exposición.

Algo en mi sangre viaja con voz de clorofila

Curriculum sintetizado

INFORMACIÓN PERSONAL:

NOMBRE: Paulina Isabel León de la Peña Izundegui

PSEUDONIMO: Palibé

NACIMIENTO: Villahermosa, Tabasco. México. 20 de febrero de 1958

ESTUDIOS PROFESIONALES: Médico cirujano

 

 FORMACIÓN ARTÍSTICA:

Ha Cursado múltiples talleres independientes y otros a cargo de: Instituto de cultura de Tabasco (ICT), Fondo estatal para la cultura y las artes(FECAT),  Consejo nacional para la cultura y las artes (CONACULTA), la Secretaria de cultura , recreación y deportes de Tabasco (SECURED) y el Instituto estatal de cultura de Tabasco (IECT), entre los que destacan:

• Estructura y construcción de la figura humana – Miguel Ángel Mejía Carmona (CONACULTA)

• Experimentación plástica – Gabriel Macotela (CONACULTA)

• Arte contemporáneo – Arq. y valuador Víctor de Dios Olán (ICT)

• Grabado en metal – Salvador Castro de la Rosa (Amigos de la Casa Siempreviva A.C.)

• Conceptos contemporáneos del dibujo – Magali Margarita Lara (FECAT)

• Técnicas y texturas – Oscar Gutman (CONACULTA)

• Encaústica – Oscar Gutman (CONACULTA)

• Grabado en metal – Mtro. Mario Reyes (CONACULTA)

 

EXPOSICIONES COLECTIVAS Cuenta con más de 100 exposiciones colectivas entre las que destacan:   Pintores de Tabasco en Ucrania. Odessa, Ucrania Primera y Segunda Bienal de Pintura de Tabasco.- seleccionada – Mujeres así Pintan – Galería Casa Siempreviva Exposición Colectiva del Milenio –Gob. del edo. de Tabasco-ICT Umbrales –Centro de Educación y Cultura S.C. a través del Fondo Cultural Carmen A.C. Itinerantes por el sureste de México – Coordinación de Artes Plásticas del ICT El mar y yo – Fundación de parques y museos de Cozumel, Q.Roo – Museo de la isla Feria de arte independiente de Madrid (FAIM 2007) Madrid, España ShowArt Teatro Tower–  Miami Dade Collage – Iberoamericana 2008 (Artexpresion) USA Frida, 100 años pienso en ti – Homenaje a Frida Kalho Festival Cultural, Flores 2008 – Flores, Petén, Guatemala Semana de Arte y Cultura – abril 2009 – UMMA Exp. Colec. Congreso Nacional de la Federación Mexicana de Otorrinolaringología y Cirugía de Cabeza y Cuello. A.C.  Octubre 2009 UNIVERSIDAD DE TLAXCALA  «UNA HUELLA EN EL TIEMPO»  mayo, 2010

EXPOSICIONES INDIVIDUALES Palibé en Caliope Algo en mi sangre viaja con voz de clorofila Lunas Vestigios S/T  Casa de la Cultura de Tabasco en México, D.F. Voces de natura Entre el verde y el color Expresiones S/T (2) Casa de la Cultura de Tabasco en México. Matices y expresiones – Casa de la Cultura de Tabasco en México, D.F. De pochitoques y algo más S/T  Guayaquil. Ecuador Sueños y naturaleza de Palibé Delicias del edén La magia del símbolo Entre muchas otras más

 

CURSOS IMPARTIDOS:

Ha dado cursos regulares  de dibujo y pintura para niños, adolescentes y adultos por más de 10 años consecutivos

Ha dado cursos de verano e invierno para jóvenes y niños por más de 5 años

De forma regular imparte clases sabatinas en su taller.

 

PARTICIPACIÓN COMO JURADO

Ha sido jurado de varios eventos de pintura realizados por los gobiernos estatal y federal e instituciones educativas privadas. Algunos de ellos mencionados a continuación:

– Concurso anual de arte y cultura – Colegio Scout

– Como hacer nuevas y mejores cosas por mi país – SEP

– IX Festival estatal Arte y Cultura (área-pintura) – CECYTE

– Mi carta sobre la educación y la escuela que quiero (pintura) – Comité ejecutivo

  nacional del SNTE

– Concurso interno de trabajos creativos – Esc. Estatal de Danza – IECT

– Entre otros

 

PREMIOS:

Mención honorífica en la 2da Bienal de pintura de Tabasco con la obra “Fuego Tropical”

 Mención Honorífica en el 1er concurso de pintura Ricardo García Mora con la obra “Destino….oscuridad”

 

PROMOTORÍA CULTURAL

– Organización de la 1er semana de Arte y Cultura – Amigos de la casa siempreviva

– Promotor del diplomado “ Los grandes maestros y su vida amorosa” impartido por el

  Museógrafo, Curador y Art Dealer Jorge Alfonso Lozano Villareal

-Delegada Tabasco del Consejo Mundial de Artistas Visuales A.C. (COMAV) desde

  2007 hasta la fecha

– Promoción del grupo venezolano CREACUATRO con una exposición pictórica en la

  Ciudad de Villahermosa, tab.

– Apoyo y promoción de creadores de habla hispana durante 5 años, en las áreas de dibujo, pintura, fotografía, arte digital, fotografía digital intervenida y grabado a través de la web   www.galeriaelcaballete.com,  la cual cierra sus actividades en sept. 2012.